6 myter som du inte borde tro på inom konst

Konstmyt 1: You Need Talent to be a Artist

Vissa människor har mer av en inneboende talang, eller en anpassning, för konst än andra. Men att oroa dig för hur mycket talang du har eller inte har är bara slöseri med energi.

Alla kan lära sig bemästra de tekniker som är grundläggande för god målning och alla har förmågan att förbättra sin kreativitet. Att ha skinkor med “talang” är ingen garanti för att du kommer att bli en bra artist eftersom det kräver mer än förmågan att vara kreativ.

Men de sa att jag “har talang”
Fördelen med att tro (eller att andra tror) att du “har talang” när du börjar är att konstnärliga saker kommer lätt till dig från början. Du kanske inte behöver sträva lika hårt efter att få en “bra” målning och du kan få mycket positiv feedback. Men att lita på talang kommer bara att få dig så långt. Förr eller senare når du en plats där din talang inte räcker. Vad händer då?

Om du har arbetat med att utveckla konstnärliga färdigheter – från hur olika penslar fungerar till hur färger interagerar – och är vana att aktivt bedriva idéer snarare än att förvänta sig att kreativa tankar ska komma till dig, är du inte när du kommer till ditt så kallade ‘ talang.’

Du har redan för vana att utforska möjligheter, undersöka nya idéer, att driva saker ett steg längre. Du är inställd på lång sikt.

Talent betyder inte om du önskar
Och om du tror att du inte har någon konstnärlig talang alls? Låt oss hoppa över plattorna om alla som har en kreativ aspekt i sig och hur alla har någon speciell talang.

Om du verkligen trodde att du inte hade någon konstnärlig förmåga, skulle du inte behöva måla. Det är den önskan, i kombination med uthållighet och systematisk inlärning av målningstekniker – inte enbart talang – som gör en framgångsrik konstnär.

Degas citeras för att säga: “Alla har talang vid 25. Svårigheten är att ha den på 50.”

”Det som skiljer en stor konstnär från en svag är först deras känslighet och ömhet; för det andra deras fantasi, och för det tredje deras bransch. ” – John Ruskin

Konstmyt 2: Måla ska vara enkelt

Säger vem? Varför ska något som är värt att göra vara enkelt?

Det finns ett antal tekniker som vem som helst kan lära sig (som skuggning, perspektivregler, färgteori, etc.) för att producera en målning på relativt kort tid. Men det kräver verkliga ansträngningar att gå längre än medelmåttigheten.

Stora artister kan göra det ser enkelt ut, men den “lättheten” har, som alla stora färdigheter, kommit genom år av hårt arbete och övning.

Förvänta dig inte att måla är lätt
Om du tänker på att måla ska vara enkelt, ställer du dig in för frustration och besvikelse. Med erfarenhet blir vissa aspekter enklare – till exempel vet du vad resultatet kommer att bli när du glasyr en färg ovanpå en annan – men det betyder inte att det är lätt att avsluta målningen.

Dubious? Nåväl, det här är vad Robert Bateman har att säga om det: ”En definition av ett mästerverk jag har hört … när du ser det borde du känna att du ser för första gången, och det ska se ut som om det görs utan ansträngning. Detta är en väldigt tuff måttstock. Jag skulle inte säga att jag någonsin har gjort ett mästerverk, men när jag kämpar med varje målning – och de är alla en kamp – känner jag ofta att jag inte är någonstans nära de två målen. ”

Bateman säger om “lätta bitar”: “Om jag tittar tillbaka på kroppen från föregående års arbete och ser många lätta bitar, känner jag att jag har låtit mig ner.”

“Det är lättare att måla i ängelns fötter till en annans mästerverk än att upptäcka var änglarna bor inom dig själv.” – David Bayles och Ted Orland i “Art and Fear.”

Konstmyt 3: Varje målning måste vara perfekt

Att kräva att varje enskild målning du gör för att vara helt perfekt är ett orealistiskt mål. Du kommer aldrig att uppnå det, så du blir för rädd att ens prova. Har du inte hört talas om “att lära av dina misstag”?

Istället för att sträva efter perfektion, sträva efter att varje målning ska lära dig något och riskera att kliva upp saker genom att prova något nytt bara för att se vad som händer. Utmana dig själv genom att ta itu med nya ämnen, tillvägagångssätt eller saker som är “för svåra”.

Vad är det värsta som kan hända?
Du slösar bort lite färg och lite tid. Visst kan det vara frustrerande när du inte når något du gillar, men som klichén går, “om du till en början inte lyckas, försök och försök igen.”

Om du skruvar upp en målning kan du försöka måla den “kränkande biten.” Låt den ligga över natten och attackera den igen på morgonen. Det finns tillfällen då det är bäst att helt enkelt erkänna nederlag för tillfället och lägga det åt sidan mycket längre. Men aldrig permanent; de flesta artister är alldeles envisa för det!

I slutändan, om du blir tillräckligt berömd, kommer museer att vara så glada över att ha något verk av dig att de kommer att hänga målningar som var oavslutade eller bara grova studier, inte bara de som du ansåg färdiga och bra. Du har sett dem – de målningarna där en del av duken fortfarande är bar, med undantag för kanske en linjeteckning som visar vad konstnären skulle lägga där.

“Har ingen rädsla för perfektion, du når aldrig den.” – Salvador Dali, surrealistisk konstnär.

Art Myth # 4: Om du inte kan rita, kan du inte måla

En målning är inte en ritning som är färgad in och en teckning är inte en målning som inte har färgats in ännu.

Målning innebär sin egen uppsättning färdigheter. Även om du var en expert på att rita, skulle du behöva lära dig att måla.

Vissa konstnärer gillar att göra detaljerade ritningar för att använda som referens innan de målar, men många gör det inte.
Vissa konstnärer gör ritningar direkt på sin duk innan de börjar måla, men många gör det inte.
Ritning krävs inte
Det finns ingen regel som säger att du måste rita innan du målar om du inte vill.

Ritning är inte bara ett första steg i att skapa en målning. Ritning är ett annat sätt att skapa konst. Att ha ritfärdigheter hjälper definitivt med din målning, men om du hatar pennor och kol betyder det inte att du inte kan lära dig att måla.

Låt aldrig tron ​​att du “inte ens kan rita en rak linje” hindra dig från att upptäcka den njutning som målningen kan ge.

“Målning omfattar alla tio funktioner i ögat; det vill säga mörker, ljus, kropp och färg, form och plats, avstånd och närhet, rörelse och vila.” – Leonardo Da Vinci.

Konstmyt 5: Små canvases är lättare att måla än stora canvases

Olika dukstorlekar har sin egen uppsättning utmaningar. Det kan inte ens vara någon skillnad i den tid det tar att måla en liten duk eller en stor.

Miniatyrer är små, men de tar verkligen inte bara några minuter att avsluta! (Och du kommer aldrig att göra en miniatyr om du inte har en stadig hand och skarpt öga.)

Storlek är subjektiv
Oavsett om du målar stort eller litet beror inte bara på ämnet – vissa ämnen kräver helt enkelt en viss skala – utan också vilken effekt du vill skapa. Till exempel kommer ett enormt landskap att dominera ett rum på ett sätt som en serie små dukar aldrig kunde.

Om din budget för konstmaterial är begränsad kan du frestas att använda små dukar eftersom du tror att de behöver mindre färg. Borde det vara din enda oro eller ska du måla vilken storlek du vill? Du kommer att upptäcka att en medelstor duk lär dig hur du målar både detaljer och stora ytor medan du använder mycket mindre färg än du är rädd.

Om du är orolig för kostnaden för konstmaterial och upptäcker att denna stress hämmar din målning, kan du överväga att använda studentkvalitetsfärger för studier och blockera i initialfärger. Spara den goda artistens kvalitet för de senare lagren.

James Whistler producerade många små oljor, några så små som tre till fem tum. En samlare beskrev dessa som “ytligt, storleken på din hand, men konstnärligt, som en stor som en kontinent”.

“Kan du tro att det inte alls är lättare att rita en siffra på en fot hög än att rita en liten? Tvärtom, det är mycket svårare.” – Van Gogh

Den riktigt viktiga frågan som de flesta konstnärer har är om stora eller små målningar säljer bättre.

Konstmyt 6: Ju fler färger du använder, desto bättre

Kontrast och ton är viktigare än antalet färger som används. Att blanda många färger i en målning är ett recept för att skapa lera och konstnärer hatar leriga färger.

Det är lätt att fylla din paintbox med många färger och det är verkligen lockande med tanke på det tillgängliga utbudet. Men varje färg har sin “personlighet” eller egenskaper och du måste veta exakt hur det är innan du flyttar till en annan eller blandar den med en annan. Kunskap om hur en färg beter sig ger dig frihet att koncentrera dig på andra saker.

Börja med Simple Color Theory
Börja med två komplementära färger, t.ex. blå och orange. Använd dessa för att skapa en målning och se vad du tycker. Är det inte mer dynamiskt än en målning som täcker hela spektrumet?

Inte övertygad? Spendera tid på att titta på målningarna av Rembrandt, fulla av jordnära bruna och gula. Det är svårt att hitta någon som skulle hävda att han borde ha “livat upp” sina målningar med fler färger. Istället lägger hans begränsade palett till humören.

“Färg påverkar själen direkt. Färg är tangentbordet, ögonen är hammare, själen är pianot med många strängar. Artisten är handen som spelar, vidrör ett eller annat målmedvetet för att orsaka vibrationer i själen.” – Kandinsky

“Naturen innehåller elementen, i färg och form, på alla bilder, eftersom tangentbordet innehåller anteckningar av all musik. Men artisten är född att välja, välja och gruppera … dessa element, så att resultatet kan bli vackert “. – Whistler

“En kolorist gör sin närvaro känd även i en enkel kolteckning.” – Matisse.

Lämna ett svar

E-postadressen publiceras inte. Obligatoriska fält är märkta *