Konstmyt 1: Du behöver talang för att bli konstnär
Vissa människor har mer talang än andra. Men att oroa dig för hur mycket talang du har eller inte har är bara slöseri med energi.
Alla kan lära sig bemästra de tekniker som är grundläggande för att bli en bra konstnär och alla har förmågan att förbättra sin kreativitet. Att ha förutsättningar för “talang” är ingen garanti för att du kommer att bli en bra konstnär eftersom det kräver mer än förmågan att vara kreativ.
“Men de sa att jag har talang”
Fördelen med att tro (eller att andra tror) att du “har talang” när du börjar är att konstnärliga saker kommer lätt till dig från början. Du kanske inte behöver sträva lika hårt efter att få en “bra” målning och du kan få positiv feedback. Men att lita på talang kommer bara att hjälpa dig en bit. Förr eller senare når du en gräns där din talang inte räcker till. Vad händer då?
Om du har arbetat med att utveckla dina konstnärliga färdigheter – från hur olika penslar fungerar till hur färger interagerar – och är van att aktivt bedriva idéer snarare än att förvänta sig att kreativa tankar ska komma till dig, är du inte en så kallad talang.
Du har redan för vana att utforska möjligheter, undersöka nya idéer, att driva saker ett steg längre.
”Det som skiljer en stor konstnär från en amatör är först deras känslighet och ömhet; för det andra deras fantasi, och för det tredje deras bransch. ” – John Ruskin
Konstmyt 2: Måla ska vara enkelt
Säger vem? Varför ska något som är värt att göra vara enkelt?
Det finns ett antal tekniker som vem som helst kan lära sig (som skuggning, perspektivregler, färgteori, etc.) för att producera en målning på relativt kort tid. Men det kräver verkliga ansträngningar att gå längre än medelmåttigheten.
Kända konstnärer kan göra det ser enkelt ut, men den “lättheten” har, som alla stora färdigheter, kommit genom år av hårt arbete och övning.
Förvänta dig inte att måla är lätt!
Om du tänker på att måla ska vara enkelt, ställer du dig in för frustration och besvikelse. Med erfarenhet blir vissa aspekter enklare – men det betyder inte att det är lätt att fullborda målningen.
Dubious? Nåväl, det här är vad Robert Bateman har att säga om det: ”En definition av ett mästerverk jag har hört … när du ser det borde du känna att du ser för första gången, och det ska se ut som om det görs utan ansträngning. Detta är en väldigt tuff måttstock. Jag skulle inte säga att jag någonsin har gjort ett mästerverk, men när jag kämpar med varje målning – och de är alla en kamp – känner jag ofta att jag inte är någonstans nära de två målen. ”
“Det är lättare att måla i ängelns fötter till en annans mästerverk än att upptäcka var änglarna bor inom dig själv.” – David Bayles och Ted Orland i “Art and Fear.”
Konstmyt 3: Varje målning måste vara perfekt
Att kräva att varje enskild målning du gör ska vara perfekt är ett orealistiskt mål. Du kommer aldrig att uppnå det, så du blir för rädd att ens prova. Har du inte hört talas om “att lära av dina misstag”?
Istället för att sträva efter perfektion, sträva efter att varje målning ska lära dig något och ta risker genom att prova något nytt bara för att se vad som händer. Utmana dig själv genom att ta itu med nya ämnen, tillvägagångssätt eller saker som är “för svåra”.
Vad är det värsta som kan hända?
Du slösar bort lite färg och lite tid. Visst kan det vara frustrerande när du inte uppnår något du gillar, men som klichén går, “om du till en början inte lyckas, försök och försök igen.”
I slutändan, om du blir tillräckligt berömd, kommer museer att vara så glada över att ha något verk av dig att de kommer att hänga upp målningar som var oavslutade eller bara skisser, inte bara de som du ansåg färdiga och bra. Du har sett flera sådana exempel – de målningarna där en del av duken fortfarande är bar, med undantag för kanske en linjeteckning som visar vad konstnären skulle ha målat där.
Konstmyt 4: Om du inte kan rita, kan du inte måla
En målning är inte en ritning som är färgad och en teckning är inte en målning som inte har färgats än.
Målning innebär sin egen uppsättning färdigheter. Även om du var en expert på att rita, skulle du behöva lära dig att måla.
Vissa konstnärer gillar att göra detaljerade ritningar för att använda som referens innan de målar, men många gör det inte.
Vissa konstnärer gör ritningar direkt på sin duk innan de börjar måla, men många gör det inte.
Ritning krävs inte! Det finns ingen regel som säger att du måste rita innan du målar om du inte vill.
Ritning är inte bara ett första steg i att skapa en målning. Ritning är ett annat sätt att skapa konst. Att ha ritfärdigheter hjälper definitivt med din målning, men om du hatar pennor och kol betyder det inte att du inte kan lära dig att måla.
Låt aldrig tron att du “inte ens kan rita en rak linje” hindra dig från att upptäcka den njutning som målningen kan ge.
“Målning omfattar alla tio funktioner i ögat; det vill säga mörker, ljus, kropp och färg, form och plats, avstånd och närhet, rörelse och vila.” – Leonardo Da Vinci
Konstmyt 5: Små kanvaser är lättare att måla än stora kanvaser
Olika dukstorlekar har sin egen uppsättning utmaningar.
Miniatyrer är små, men de tar verkligen inte bara några minuter att avsluta! (och du kommer aldrig att göra en miniatyr om du inte har en stadig hand och skarpt öga.)
Storlek är subjektiv!
Oavsett om du målar stort eller litet beror inte bara på ämnet – vissa ämnen kräver helt enkelt en viss skala – utan också vilken effekt du vill skapa. Till exempel kommer ett enormt landskap att dominera ett rum på ett sätt som en serie små dukar aldrig kan.
Om din budget för konstmaterial är begränsad kan du frestas att använda små dukar eftersom du tror att de behöver mindre färg. Borde det vara din enda oro eller ska du måla vilken storlek du vill? Du kommer att upptäcka att en medelstor duk lär dig hur du målar både detaljer och stora ytor medan du använder mycket mindre färg än du vågar.
Om du är orolig för kostnaden för konstmaterial och upptäcker att denna stress hämmar din målning, kan du överväga att använda studentkvalitetsfärger för studier och blockera i initialfärger. Spara den goda konstnärens kvalitet för de senare lagren.
James Whistler producerade många små oljor, några så små som tre till fem tum. En samlare beskrev dessa som “ytligt, storleken på din hand, men konstnärligt, som en stor som en kontinent”.
“Kan du tro att det inte alls är lättare att rita en siffra på en fot hög än att rita en liten? Tvärtom, det är mycket svårare.” – Van Gogh
Den riktigt viktiga frågan som de flesta konstnärer har är om stora eller små målningar säljer bättre.
Konstmyt 6: Ju fler färger du använder, desto bättre
Kontrast och ton är viktigare än antalet färger som används. Att blanda många färger i en målning är ett recept för att skapa lera och konstnärer hatar leriga färger.
Det är lätt att fylla din “paintbox” med många färger och det är verkligen lockande med tanke på det tillgängliga utbudet. Men varje färg har sin “personlighet” eller egenskaper och du måste veta exakt hur det är innan du flyttar till en annan eller blandar den med en annan. Kunskap om hur en färg beter sig ger dig frihet att koncentrera dig på andra saker.
Börja med “Simple Color Theory”
Börja med två komplementära färger, t.ex. blå och orange. Använd dessa för att skapa en målning och se vad du tycker. Är det inte mer dynamiskt än en målning som täcker hela spektrumet?
Inte övertygad? Spendera tid på att titta på målningarna av Rembrandt, fulla av jordnära bruna och gula. Det är svårt att hitta någon som skulle hävda att han borde ha “livat upp” sina målningar med fler färger. Istället lägger hans begränsade palett till humören.
“Färg påverkar själen direkt. Färg är tangentbordet, ögonen är hammare, själen är pianot med många strängar. Artisten är handen som spelar, vidrör ett eller annat målmedvetet för att orsaka vibrationer i själen.” – Kandinsky
“Naturen innehåller elementen, i färg och form, på alla bilder, eftersom tangentbordet innehåller anteckningar av all musik. Men artisten är född att välja, välja och gruppera … dessa element, så att resultatet kan bli vackert. ” – Whistler
“En kolorist gör sin närvaro känd även i en enkel kolteckning.” – Matisse